Теа́тр (греч. θέατρον - основное значение - место для зрелищ, затем - зрелище, от θεάομαι - смотрю, вижу) - зрелищный вид искусства, представляющий собой синтез различных искусств - литературы, музыки, хореографии, вокала, изобразительного искусства и других и обладающий собственной спецификой: отражение действительности, конфликтов, характеров, а также их трактовка и оценка, утверждение тех или иных идей здесь происходит посредством драматического действия, главным носителем которого является актёр.
Родовое понятие «театр» включает в себя различные его виды: драматический театр, оперный, балетный, кукольный, театр пантомимы и др.
Во все времена театр представлял собой искусство коллективное; в современном театре в создании спектакля, помимо актёров и режиссёра (дирижёра, балетмейстера), участвуют художник-сценограф, композитор, хореограф, а также бутафоры, костюмеры, гримёры, рабочие сцены, осветители.
Развитие театра всегда было неотделимо от развития общества и состояния культуры в целом, - с особенностями общественного развития были связаны его расцвет или упадок, преобладание в театре тех или иных художественных тенденций и его роль в духовной жизни страны.
ТЕАТР (от греч. theatron – места для зрелища, зрелище), основной род зрелищного искусства. Родовое понятие театра подразделяется на виды театрального искусства: драматический театр, оперный, балетный, театр пантомимы и т.д. Происхождение термина связано с древнегреческим античным театром, где именно так назывались места в зрительном зале (от греческого глагола «теаомай» – смотрю). Однако сегодня значение этого термина чрезвычайно многообразно. Его дополнительно употребляют в следующих случаях:
1. Театром называют здания, специально построенные или приспособленные для показа спектаклей («Театр уж полон, ложи блещут» А.С.Пушкин).
2. Учреждение, предприятие, занимающееся показом спектаклей, а также весь коллектив его сотрудников, обеспечивающих прокат театральных представлений (Театр Моссовета; гастроли Театра на Таганке и т.п.).
3. Совокупность драматургических или сценических произведений, структурированных по тому или иному принципу (театр Чехова, театр эпохи Возрождения, японский театр, театр Марка Захарова и т.д.).
4. В устаревшем значении (сохранившемся только в театральном профессиональном арго) – сцена, подмостки («Благородная бедность хороша только на театре» А.Н.Островский).
5. В переносном значении – место каких-либо происходящих событий (театр военных действий, анатомический театр).
Как и любой другой вид искусства (музыка, живопись, литература), театр обладает своими, особыми признаками. Это искусство синтетическое: театральное произведение (спектакль) складывается из текста пьесы, работы режиссёра, актёра, художника и композитора. В опере и балете решающая роль принадлежит музыке.
Театр - искусство коллективное. Спектакль - это результат деятельности многих людей, не только тех, кто появляется на сцене, но и тех, кто шьёт костюмы, мастерит предметы реквизита, устанавливает свет, встречает зрителей. Недаром существует определение "работники театрального цеха": спектакль - это и творчество, и производство.
Театр предлагает собственный способ познания окружающего мира и, соответственно, собственный на бор художественных средств. Спектакль - это и особое действие, разыгранное в пространстве сцены, и особое, отличное, скажем, от музыки образное мышление.
В основе театрального представления лежит текст, например пьеса для драматического спектакля. Даже в тех сценических постановках, где слово как таковое отсутствует, текст бывает необходим; в частности, балет, а иногда и пантомима имеет сценарий - либретто. Процесс работы над спектаклем состоит в перенесении драматургического текста на сцену - это своего рода "перевод" с одного языка на другой. В результате литературное слово становится словом сценическим.
Первое, что видит зритель после того, как откроется (или поднимется) занавес, - это сценическое пространство, в котором размещены декорации. Они указывают место действия, историческое время, отражают национальный колорит. При помощи пространственных построений можно передать даже настроение персонажей (например, в эпизоде страданий героя погрузить сцену во мрак или затянуть её задник чёрным). Во время действия с помощью специальной техники декорации меняют: день превращают в ночь, зиму - в лето, улицу - в комнату. Эта техника развивалась вместе с научной мыслью человечества. Подъёмные механизмы, щиты и люки, которые в давние времена приводились в действие вручную, теперь поднимает и опускает электроника. Свечи и газовые фонари заменены на электролампы; часто используют и лазеры.
Ещё в античности сформировалось два типа сцены и зрительного зала: сцена коробка и сцена амфитеатр. Сцена коробка предусматривает ярусы и партер, а сцену амфитеатр зрители окружают с трёх сторон. Сейчас в мире используют оба типа. Современная техника позволяет изменять театральное пространство - устраивать помост посреди зрительного зала, сажать зрителя на сцену, а спектакль разыгрывать в зале.Большое значение всегда придавали театральному зданию. Театры обычно строились на центральной площади города; архитекторы стремились, чтобы здания были красивыми, привлекали внимание. Приходя в театр, зритель отрешается от по вседневной жизни, как бы поднимается над реальностью. Поэтому не случайно в зал часто ведёт украшенная зеркалами лестница.
Усилить эмоциональное воздействие драматического спектакля помогает музыка. Иногда она звучит не только во время действия, но и в антракте - чтобы поддержать интерес публики. Главное лицо в спектакле - актёр. Зритель видит перед собой человека, таинственным способом превратившегося в художественный образ - своеобразное произведение искусства. Конечно, произведение искусства - не сам исполнитель, а его роль. Она творение актёра, созданное голосом, нервами и чем то не уловимым - духом, душой. Чтобы действие на сцене воспринималось как цельное, необходимо его продуманно и последовательно организовать. Эти обязанности в современном театре выполняет режиссёр. От таланта актёров в спектакле зависит, конечно, многое, но тем не менее они подчинены воле руководителя - режиссёра. Люди, как и много веков назад, приходят в театр. Со сцены звучит текст пьес, преображённый силами и чувствами исполнителей. Артисты ведут свой диалог - и не только словесный. Это беседа жестов, поз, взглядов и мимики. Фантазия художника декоратора с помощью цвета, света, архитектурных сооружений на площадке заставляет пространство сцены "заговорить". И всё вместе заключено в строгие рамки режиссёрского замысла, что придаёт разнородным элементам завершённость и цельность.
Зритель сознательно (а порой и бессознательно, будто против воли) оценивает игру актёров и режиссуру, соответствие решения театрального пространства общему замыслу. Но главное - он, зритель, приобщается к искусству, непохожему на другие, творимому здесь и сейчас. Постигая смысл спектакля, он постигает и смысл жизни. История театра продолжается.
Виды и жанры театрального искусства
ВОДЕВИЛЬ - вид комедии положении с песнями-куплетами и танцами. Возник во Франции; с начала XIX в. получил общеевропейское распространение. Лучшим произведениям присуши задорное веселье, злободневное отображение действительности.
ДРАМА - один из ведущих жанров драматургии, начиная с эпохи Просвещения, в котором изображается мир реального человека в его остроконфликтных, но не безысходных отношениях с обществом или собой. В XX в. драма отличалась серьезным содержанием, отражала различные аспекты жизни человека и общества, исследовала человеческую психологию.
КОМЕДИЯ - вид драмы, в котором действие и характеры трактованы в формах комического. Как и трагедия, родилась в Древней Греции из обрядов, сопровождавших шествия в честь бога Диониса. Комедия, трезво исследуя человеческую природу, высмеивала пороки и заблуждения людей. Лучшие образцы этого жанра отличаются бескомпромиссность» анализа, остротой и смелостью в высмеивании пороков общества. В разных странах возникали свои варианты комедии. Известны «ученая» комедия итальянских гуманистов и испанская комедия Лопе де Вега и Кальдерона, английская комедия эпохи Возрождения, французская классицистская комедия эпохи Просвещения, русская реалистическая комедия. По принципу организации действия различают комедию характеров, положений, идей. По типу Сюжетов комедии могут быть бытовыми и лирическими, по характеру комического - юмористическими, сатирическими.
МЕЛОДРАМА - пьеса с острой интригой, преувеличенной эмоциональностью, резким противопоставлением добра и зла, морально-поучительной тенденцией. Возникла в конце XVII в. во Франции, в России - в 20-е гг. XIX в.
МИМ - комедийный жанр в античном народном театре, короткие импровизационные сценки сатирического и развлекательного характера.
ОПЕРА - жанр музыкально-драматического искусства, в котором содержание воплощается средствами музыкальной драматургии, главным образом посредством вокальной музыки. Литературная основа оперы - либретто. В этом музыкальном жанре слиты в единое целое поэзия и драматическое искусство, вокальная и инструментальная музыка, мимика, танцы, живопись, декорации и костюмы.
МИСТЕРИЯ - жанр средневекового западноевропейского религиозного театра. Мистерии представлялись на площадях городов. Религиозные сцены в них чередовались с интермедиями.
МОНОДРАМА - драматическое произведение, исполняемое одним актером.
МОРАЛИТЕ - жанр западно-европейского театра XV-XVI вв., назидательная аллегорическая драма, персонажи которой олицетворяли различные добродетели и пороки.
МЮЗИКЛ - музыкально-сценическое произведение, главным образом комедийного характера, в котором используются средства эстрадной и бытовой музыки, драматического, хореографического и оперного искусств, жанр сформировался в США в конце XIX в.
ПАРОДИЯ - 1) жанр в театре, на эстраде, сознательная имитация в сатирических, иронических и юмористических целях индивидуальной манеры, стиля, стереотипов речи и поведения; 2) искаженное подобие чего-либо.
ПАСТОРАЛЬ - опера, пантомима или балет, сюжет которых связан с идеализированным изображением пастушеской жизни.
СОТИ - комедийно-сатирический жанр французского театра XV-XVII вв., разновидность фарса.
ТРАГЕДИЯ (в переводе с греческого - «песнь козлов») - вид драмы, проникнутый пафосом трагического. В античности отображал непосредственную жизнь персонажей трагических событий, действие преобладало над рассказом. В эпоху Возрождения в пьесах было отброшено считавшееся обязательным единство действия, трагическое часто соединялось с комическим. В дальнейшем трагедия строго регламентируется: опять преобладает единство действия, места и времени; наблюдается размежевание комического и трагического. В современном театре трагедия в чистом виде встречается редко. Основу трагедии составляют острые общественные конфликты, коренные проблемы бытия, столкновения личности с судьбой и обществом. Трагическая коллизия обычно разрешается гибелью героя.
ТРАГИКОМЕДИЯ - драматическое произведение, обладающее признаками как комедии, так и трагедии. В основе ее лежит ощущение относительности существующих критериев жизни; одно и то же явление драматург видит и в комическом, и в трагическом освещении, характерна для XX в.
ФАРС - 1) вид средневекового западно-европейского народного театра бытового комедий но-сатирического характера, существовавший в XIV-XVI вв. Близок немецкому фастнахтшпилю, итальянской комедии дель арте и др.; 2) в театре XIX-XX вв. комедия-водевиль легкого содержания с чисто внешними комическими приемами.
ФЕЕРИЯ - жанр театральных спектаклей, в которых для фантастических сцен применяются постановочные эффекты. Возник в Италии в XVII вв.
ФЛИАКИ - народные театральные представления в Древней Греции, особенно распространенные в III-IV вв. до н.э. в греческих колониях: короткие импровизационные шутки-сценки из повседневной жизни о веселых похождениях богов и героев.
2. Театр Древней Греции .
Возникновение театра в древней Греции.
Театр - одно из древнейших искусств. Его истоки теряются в первобытном обществе. Театр возник из народных охотничьих и земледельческих игр, носящих магический характер. Веря, что подражание животному, его внешности и повадкам может повлиять на результат охоты, первобытные люди устраивали пляски одетых в звериные шкуры людей.
С возникновением земледелия появились празднества, отмечавшие сбор урожая. На празднике в честь бога виноделия Диониса виноградари в козлиных шкурах изображали различные эпизоды из жизни Диониса, воспевали силу виноградной лозы, дающей радость.
Из этой песни людей в козлиных шкурах возникла трагедия (трагос - по-гречески «козел»).
Из этих же праздников, посвященных Дионису, возникла и комедия (от слова комос - необузданное веселье). Комедия в отличие от серьезных и скорбных трагедий возбуждала смех.
Со временем греческие театральные зрелища утратили связь с почитанием бога Диониса, они рассказывали о жизни других греческих богов, героев, а также об обыкновенных людях.
Устройство театра в древней Греции .
Театры в Древней Греции строились под открытым небом, на склоне гор и холмов. Они были рассчитаны на несколько тысяч, а то и на несколько десятков тысяч зрителей. Зрители сидели на поднимавшихся уступами каменных скамьях лицом к широкой круглой или квадратной площадке - орхестре.
Греческий театр. В центре - орхестра. На ней справа и слева - хор, посередине - статуя Диониса. Орхестру замыкает скёнэ - крытое помещение ДЛЯ переодевания актеров. Перед скенэ - три актера. Рисунок современного художника по данным раскопокГреческий театр. В центре - орхестра. На ней справа и слева - хор, посередине - статуя Диониса. Орхестру замыкает скёнэ - крытое помещение ДЛЯ переодевания актеров. Перед скенэ - три актера. Рисунок современного художника по данным раскопок
На орхестре находились актеры и хор, одетые в соответствии С пьесой.
Позади орхестры имелось помещение для переодевания актеров- скещ (отсюда современное название-сцена). В нем актеры надевали одежды и большие ярко раскрашенные маски. Первоначально маски изготовлялись из дерева, а затем из полотна, пропитанного гипсом и покрытого краской. Маски позволяли всем зрителям, даже сидящим очень далеко, видеть соответствующее действию «выражение лица» - скорбное, страдальческое, строгое, веселое. Помимо этого, широко раскрытый рот маски создавал нечто вроде рупора, усиливая голос актера.
Рост актера увеличивался при помощи так называемых котурнов - сандалий с очень толстой подошвой. Женские роли в греческом театре исполнялись мужчинами.
Трагические и комические поэты в древней Греции.
В Афинах устраивались состязания трагических и комических поэтов. Каждый из них должен был написать и поставить три пьесы. Победитель награждался венком из вечнозеленого лавра. Знаменитые греческие трагические поэты V в. до н. э. - Эсхйл, Софокл и Эврипид. Участник греко-персидских войн Эсхил в трагедии «Персы» осудил персидского деспота Ксеркса за жестокость и своеволие, воспел отвагу греков в борьбе за свободу родины. Герои многих трагедий Эсхила - боги и полубоги. В трагедии «Прикованный Прометей» герой мифа, титан Прометей, изображен бескорыстным другом и благодетелем человечества, смелым борцом против произвола и насилия, воплощенного в образе Зевса.
В трагедиях Софокла действуют не столько боги, сколько люди. В трагедии «Антигона» изображена смелая женщина, выступившая против несправедливого решения царя и за это приговоренная к казни. Антигона мужественно встретила приговор. Погибнув, она одержала победу, так как сам царь впоследствии раскаялся и отменил, хотя и поздно, свой приговор. Трагедия «Антигона» была страстным призывом к человечности, к верности долгу, к справедливости.
Эврипид приблизил трагедию к зрителю, сделал ее более понятной и актуальной. Поэт смело поднимает волнующие многих современников вопросы о несправедливости неравенства женщины. Он изображает людей со всеми их страстями, чувствами и стремлениями, показывает иДревнегречес¬кий актер. На лице его - трагическая маска. На ногах-котурны. Статуэтка из слоновой кости, раскрашенная краскамиДревнегречес¬кий актер. На лице его - трагическая маска. На ногах-котурны. Статуэтка из слоновой кости, раскрашенная краскамих такими, какими они есть в жизни.
Крупнейшим комическим поэтом был Аристофан. В своих произведениях он зло разоблачал недостатки современной ему афинской демократии, выставляя в смешном виде многих ее руководителей. Аристофан резко выступал против войн между греками, выгодных лишь кучке рабовладельцев, прославлял людей мирного труда. Во многих комедиях Аристофана высмеиваются лживость, жадность и несправедливость олимпийских богов. Так, в комедии «Птицы» он изображает Зевса вором и обманщиком, Посейдона - взяточником, Геракла - обжорой. Комедии Аристофана пользовались в народе заслуженным успехом.
Значение греческого театра.
Театр был величайшей силой в греческих государствах. Авторам трагедий и комедий внимал весь народ. Песня хора из трагедии «Антигона» - «Много есть чудес на свете, человек их всех чудесней» - стала любимой песней афинян.
Театр называли «школой для взрослых». Он воспитывал любовь к родине, уважение к труду, мужество и другие замечательные качества, подмечал недостатки в устройстве общества.
Греческий театр оказал огромное влияние на развитие театрального искусства народов современной Европы. Театр нашего времени заимствовал не только терминологию греческого театра, но и обязан грекам многими своими особенностями и приемами. Пьесы древнегреческих драматургов, созданные более двух тысяч лет назад, оказали влияние на творчество многих великих драматических писателей нового времени. В нашей стране и некоторых других странах до сих пор ставятся на сцене пьесы Эсхила, Софокла и Эврипида. По специальному решению Всемирного Совета Мира все прогрессивное человечество недавно отметило юбилей Аристофана. Мысли и чувства людей отдаленной эпохи, выраженные в трагедиях и комедиях греков, волнуют нас.
3. Творчество Эсхила, Софокла, Еврипида, Аристофана .
Эсхил
Подлинным основоположником трагедии стал Эсхил. Он автор более семидесяти произведений, из которых до нас дошли только семь: «Персы», «Умоляющие», «Семеро против Фив», «Прикованный Прометей», «Агамемнон», «Хоэфоры», «Эвмениды». Все пьесы Эсхила пронизаны сильным религиозным чувством, в их основе - конфликт между человеческими страстями и духовностью.
Эсхил был основоположником гражданской по своему идейному звучанию трагедии, современником и участником греко-персидских войн, поэтом времени становления демократии в Афинах. Главный мотив его творчества – прославление гражданского мужества, патриотизма. Один из самых замечательных героев трагедий Эсхила – непримиримый богоборец Прометей – олицетворение творческих сил афинян. Это образ несгибаемого борца за высокие идеалы, за счастье людей, воплощение разума, преодолевающего власть природы, символ борьбы за освобождение человечества от тирании, воплощенной в образе жестокого и мстительного Зевса, рабскому служению которому Прометей предпочел муки.
Софокл
Софокл написал 125 драмы, из которых сохранились семь трагедий: «Антигона», «Аякс», «Эдип-царь», «Электра» и др. По мнению Аристотеля, Софокл изображал людей идеальных, тогда как Еврипид - таких, какие они есть на самом деле. Еврипид являлся скорее комментатором, а не участником событий, глубоко интересовался женской психологией. Наиболее известными из 19 дошедших до нас произведений являются «Медея» и «Федра».
Особенностью всех древних драм был хор, который пением и танцами сопровождал все действие. Эсхил ввел двух актеров вместо одного, уменьшив партии хора и сосредоточив основное внимание на диалоге, что стало решительным шагом для превращения трагедии из чисто мимической хоровой лирики в подлинную драму. Игра двух актеров давала возможность усилить напряженность действия. Появление третьего актера – нововведение Софокла, которое позволило обрисовать различные линии поведения в одном и том же конфликте.
Еврипид
В своих трагедиях Еврипид отразил кризис традиционной полисной идеологии и поиски новых основ мировоззрения. Он чутко откликался на животрепещущие вопросы политической и социальной жизни, и его театр представлял собой своеобразную энциклопедию интеллектуального движения Греции во второй половине V в. до н. э. В произведениях Еврипида ставились разнообразные общественные проблемы, излагались и обсуждались новые идеи.
Античная критика называла Еврипида «философом на сцене». Поэт не являлся, однако, сторонником определенного философского учения, и его взгляды не отличались последовательностью. Двойственным было его отношение к афинской демократии. Он прославлял ее как строй свободы и равенства, вместе с тем его пугала неимущая «толпа» граждан, которая в народных собраниях решала вопросы под влиянием демагогов. Сквозной нитью, через всё творчество Еврипида проходит интерес к личности с ее субъективными устремлениями. Великий драматург изображал людей с их влечениями и порывами, радостями и страданиями. Всем своим творчеством Еврипид заставлял зрителей раздумывать над своим местом в обществе, над отношением к жизни.
Аристофан
Самым известным автором комедии был Аристофан, умевший направлять свои сатирические «стрелы» против современных ему политических деятелей, писателей, философов. Наиболее яркие его произведения - «Осы», «Лягушки», «Облака», «Лисистрата». Герои комедий Аристофана - не легендарные личности, а жители современных Аристофану Афин: торговцы» ремесленники, рабы. В комедиях нет такого почтения к богам, как в трагедиях. Их иногда даже высмеивали.
Аристофан дает смелую сатиру на политическое и культурное состояние Афин в то время, когда демократия начинает переживать кризис. В его комедиях представлены различные слои общества: государственные деятели и полководцы, поэты и философы, крестьяне и воины, городские обыватели и рабы. Аристофан достигает острых комических эффектов, соединяя реальное и фантастическое и доводя осмеиваемую идею до абсурда. У Аристофана гибкий и живой язык, то приближающийся к обыденному, подчас очень грубый и примитивный, то пародийно-приподнятый и богатый неожиданными комедийными словообразованиями.
Науки и литература Древней Греции создавались свободными людьми, одаренными поэтически-мифологическим восприятием мира. Во всем, что постигал грек, он открывая гармонию, будь мироздание или человеческая личность. В своем мифологическом восприятии грек одухотворял все, чего касалось его сознание. Гармоничность и одухотворенность- вот что определяет органичность и целостность греческой культуры и в первую очередь - искусство.
4. Театр Древнего Рима .
В III--II веках до н. э. большую роль в Риме занимает театр, сюжеты пьес заимствованы у греков, но действующие лица имеют римское происхождение.
Римский театр возник, когда разложился патриархально-родовой строй. Он не знал общественно-хороводных форм греческого театра и не опирался на самодеятельность городского населения. Римский театр сразу был профессиональным.
Римский театр не был связан с культом божества, как в Греции, поэтому он не имел того же общественного значения. Актёры были не уважаемыми, а презираемыми людьми. Их набирали из числа рабов и вольноотпущенников и за плохое исполнение могли побить. Спектакли ставились в честь государственных праздников, а также в любое другое время по инициативе кого-либо из знатных граждан.
Долгое время в Риме не существовало постоянных театральных зданий.
Для представлений строились специальные временные деревянные сооружения, которые по окончании представления ломались. Сценической площадкой был деревянный помост, поднятый над землёй на половину человеческого роста. К нему вели три узких лесенки в несколько ступеней - по ним поднимались персонажи, приехавшие (по сюжету) из другого города. Фоном служила задняя стена балагана с занавеской. Для зрителей ставили скамьи, но иногда смотреть спектакли разрешалось только стоя.Так играли довольно долго, в том числе и комедии Плавта.
Однако с развитием драматургии вырастала необходимость вносить изменения и в исполнение. Необходимость постройки постоянного специального театрального здания в Риме обсуждалась сенатом. Однако сенат считал, что театр изнеживает юношество и развращает женщин - и в 154 году прекратил начатое несколько лет назад строительство каменного театра.
Первый постоянный каменный театр был сооружён около 55 г. до н.э. полководцем Гнеем Помпеем Великим и вмещал 17 тысяч зрителей.
Римский театр отличался от греческого. Размеры орхестры уменьшились наполовину, она превратилась в полукруг. (в эллинистическом театре орхестра занимала три четверти круга).
У этрусков и римлян, как и у всех народов, существовали обрядовые и культовые песни и игры, бытовал и театр народной комедии, идущий от этрусков театр гистрионов, к греческому миму был близок народный театр ателана (от города Ателлы) с постоянно действующими лицами-масками: глупец Буккон, дурак Макк, простак Папп, хитрец Доссен. Поскольку театральное представление не было связано с культом божества, а приурочивалось к праздникам, цирковым представлениям, гладиаторским боям, триумфам и погребениям государственных деятелей, освящениям храмов, то римский театр носил прикладной функциональный характер. Римская республика, а тем более империя, была государством олигархического типа, поэтому развитие культурной жизни также пошло по-другому, что сказалось и на театре. Он не мог пустить глубокие корни при таких условиях. Иным, чем в Греции, был статус актера. В отличие от греческого, он не был полноправным членом общества и его профессия презиралась.
Организация римского театра имела свою специфику. Хор не участвовал в представлении, актеры не носили масок. Проблематика римской драматургий не поднималась до нравственной высоты древнегреческой. До нашего времени полностью дошли сочинения лишь двух драматургов: Плавта и Теренция, комедиографов, один из которых происходил из низших слоев общества, а другой был рабом, отпущенным хозяином на волю за талант. Сюжеты их комедий были почерпнуты из пьес новоаттической комедии, их главный герой - ловкий пронырливый раб. Трагический жанр представлен только произведениями Сенеки, философа-стоика, который писал пьесы на мифологические сюжеты для узкого круга избранных, и они, строго говоря, не имеют отношения к театру.
С утверждением Римской империи большое распространение получают пантомимы. Тем не менее римская драматургия оказала большое влияние на драматургию нового времени периода классицизма: Корнеля, Расина (в послеантичной Европе греческий язык был известен немногим).
5. Организация театральных представлений в Древней Греции и Древнем Риме .
В Риме, так же как и в Греции, театральные представления происходили нерегулярно, а приурочивались к определенным праздникам. Вплоть до середины 1в. до.н.э. в Риме не было построено каменного театра. Спектакли проходили в деревянных сооружениях, которые после их окончания разбирались. Особых мест для зрителей в Риме первоначально не устраивали, и они смотрели "сценические игры" стоя или сидя на склоне примыкавшего к сцене холма.
Первый каменный театр в Риме был построен Помпеем во второе его консульство, в 55 г. до н.э. После него в Риме были построены и другие каменные театры.
Особенности римского театрального здания были следующие: места для зрителей представляли собой точный полукруг; полукруглая орхестра предназначалась не для хора (его в римском театре уже не было), а была местом для привилегированных зрителей; сцена была низкой и глубокой.
Постановки римского театра отличались зрелищностью и предназначались главным образом для плебейских зрителей. "Хлеба и зрелищ" этот лозунг был очень популярен среди простых людей в Риме. У истоков римского театра стояли люди низкого звания и вольноотпущенники.
Одним из источников театральных представлений в Риме были народные песни. К их числу относятся фесценины - едкие, злые стишки, которыми перебрасывались ряженые сельские жители во время праздников урожая. Многое пришло в театр от ателланы - народной комедии масок, зародившейся у племен осков, живших на территории Италии близ города Ателлы.
Ателлана принесла в римский театр установившиеся маски, берущие свое начало в древних этрусских сатурнинских играх, проводимых в честь древнеиталийского бога Сатурна. В ателлане были четыре маски: Макк - дурак и обжора, Букк - глупый хвастун, пустослов и простак, Папп - простоватый дурашливый старичок и Доссен - уродливый ученый-шарлатан. Эта милая компания на протяжении длительного времени веселила честной народ.
Следует назвать и еще древнейший вид драматического действия - мим . Первоначально это была грубоватая импровизация, исполнявшаяся на итальянских праздниках в частности на весеннем празднике Флоралий, а впоследствии мим стал литературным жанром.
В Риме было известно несколько жанров драматических представлений. Еще поэт Гней Невий создал так называемую претекстату-трагедию, действующие лица которой носили претексту - одежду римских магистратов.
Комедия в Риме была представлена двумя видами; комедия тогата и комедия паллиата. Первая - веселая пьеса, основанная на местном ителийском материале. Ее персонажами были люди простого звания. Свое название тогата получила от верхней римской одежды - тоги. Авторы таких комедий Титиний, Афраний и Атта известны нам лишь по отдельным сохранившимся фрагментам. Название комедии паллиата было связано с коротким греческим плащом - pallium. Авторы этой комедии обращались прежде всего к творческому наследию греческих драматургов, представителей новоаттической комедии - Менандру, Филемону и Дифилу. Римские комедиографы часто в одной комедии соединяли сцены из разных греческих пьес.
Самыми известными представителями комедии паллиата являются римские драматурги Плавт и Теренций.
Плавт, которому мировой театр обязан многими художественными открытиями (неотъемлемой частью действия стала музыка, она звучала и в лирических, и в острокомедийных сценах), был личностью универсальной: он писал текст, играл в спектаклях, которые сам же ставил ("Ослы", "Горшок", "Хвастливый воин", "Амфитрион" и др.). Он был подлинно народным художником, как и его театр.
Теренция более всего интересуют семейные конфликты. Он изгоняет из своих комедий грубый фарс, делает их утонченными по языку, по формам, в которых выражаются человеческие чувства ("Девушка с Андоса", "Братья", "Свекровь"). Не случайно в эпоху Возрождения опыт Теренция так пригодился новым мастерам драматургии и театра.
Нарастание кризиса привело к тому, что древнеримская драматургия либо пришла в упадок, либо реализовалась в формах, не связанных собственно с театром. Так крупнейший трагический поэт Рима Сенека пишет свои трагедии не для представления, а как "драмы для чтения". Зато ателлана продолжает развиваться, число ее масок пополняется. В ее постановках нередко затрагивались политические и социальные проблемы. Традиции ателланы и мима, по сути дела, никогда не умирали в народе они продолжали существовать в эпоху средневековья и в эпоху Возрождения.
В Риме достигло очень высокого уровня мастерство актеров. Любовью и уважением публики пользовались трагический актер Эзоп и его современник комический актер Росций (1 в. до н.э.).
Театр античного мира стал неотъемлемой частью духовного опыта всего человечества, заложил многое в основу того, что мы сегодня зовем современной культурой.
6. Театр эпохи Средневековья . Религиозный и народный театр
История средневекового театра - это культурный срез целой эпохи (средневековье - эпоха феодального строя, V-XVII вв.), по которому можно изучать сознание средневекового человека. В сознании этом противоречиво соединялись здравый народный смысл и самые причудливые суеверия, истовость веры и насмешка над церковными догматами, стихийное жизнелюбие, тяга к земному и суровый, насаждаемый церковью аскетизм. Нередко народные, реалистические начала вступали в конфликт с идеалистическими религиозными представлениями и «земное» брало верх над «небесным». И сам средневековый театр зародился в глубинных пластах народной культуры.
Еще на исходе раннего средневековья на площадях и улицах городов и в шумных тавернах появлялись странствующие забавники - гистрионы. Во Франции их называли жонглерами, в Англии - менестрелями, на Руси - скоморохами. Искусный гистрион являл собой театр одного актера. Он был фокусником и акробатом, плясуном и музыкантом, мог показать номер с обезьянкой или медведем, разыграть комическую сценку, пройтись колесом или рассказать удивительную историю. В этих рассказах и представлениях жил веселый дух ярмарки, вольной шутки.
Еще более дерзостным было искусство вагантов. Здесь царили пародия и сатира. Ваганты, или «бродячие клирики», - это недоучившиеся семинаристы и расстриги-попы. На мотивы церковных гимнов они распевали хвалу «Бахусу всепьющему», пародировали молитвы и церковные службы. Гистрионы и ваганты, гонимые церковью, объединялись в братства, притягивая к себе самый разный люд. Таким, например, было во Франции «Братство беззаботных ребят» во главе с Принцем Дураков. «Ребята» разыгрывали потешные «дурацкие» действа (соти́), в которых высмеивалось всё и вся, а церковь представала в облике Матери-Дурехи.
Церковь преследовала гистрионов и вагантов, но уничтожить любовь народа к театральным зрелищам была бессильна. Стремясь сделать церковную службу - литургию более действенной, духовенство начинает само использовать театральные формы. Возникает литургическая драма на сюжеты из Священного писания. Её разыгрывали в храме, а позже на паперти или церковном дворе. В XIII-XIV вв. появляется новый жанр средневекового театрального представления - миракль («чудо»). Сюжеты мираклей заимствуются из легенд о святых и деве Марии. Один из самых известных - «Миракль о Теофиле» французского поэта XIII в. Рютбефа.
Вершина средневекового театра - мистерия .
Расцвет этого жанра приходится на XV в. В мистериях участвовало практически все население города: одни - в качестве актеров (до 300 и более человек), другие - зрителей. Представление приурочивалось к ярмарке, к торжественному случаю и открывалось красочным шествием горожан всех возрастов и сословий. Сюжеты брали из Библии и Евангелия. Действа шли с утра до вечера в течение нескольких дней. На деревянном помосте сооружались беседки, в каждой из которых происходили свои события. На одном конце помоста находился богато украшенный Рай, на противоположном - Ад с разверстой пастью дракона, орудиями пыток и огромным котлом для грешников. Декорации в центре были предельно лаконичны: надписи над воротами «Назарет» или золоченого трона было достаточно, чтобы обозначить город или дворец. На подмостках появлялись пророки, нищие, черти во главе с Люцифером... В прологе изображали небесные сферы, где Бог-отец восседал в окружении ангелов и аллегорических фигур - Мудрости, Милосердия, Справедливости и т. д. Потом действие перемещалось на землю и дальше - в Ад, где сатана поджаривал грешные души. Праведники выходили в белом, грешники - в черном, черти - в красных трико, разрисованных страшными «рожами».
Наиболее патетические моменты в представлениях были связаны со скорбящей Богоматерью и страданиями Иисуса. В мистерии были и свои комические персонажи: шуты, нищие, черти, которых побаивались, но частенько дурачили. Патетическое и комическое сосуществовали, не смешиваясь друг с другом. События развивались при самом пристальном внимании и вмешательстве высших и низших сил. Небо, земля и преисподняя составляли один огромный мир, а человек в этом мире был и песчинкой и центром - ведь за его душу боролись силы куда более могущественные, нежели он сам. Наиболее популярными были мистерии Арну́ля Греба́на, а также одно из редких произведений на мирскую тему - «Мистерия об Осаде Орлеана», в которой воссоздавались события Столетней войны (1337-1453) между Англией и Францией и подвиг Орлеанской девы - Жанны д"Арк, возглавившей борьбу французского народа с английскими захватчиками и затем преданной французским королем, которому она вернула трон. Будучи площадным действом, обращенным к массовой аудитории, мистерия выражала и народные, земные начала, и систему религиозно-церковных представлений. Эта внутренняя противоречивость жанра привела его к упадку, а впоследствии послужила причиной его запрещения церковью.
Другим популярным жанром были моралите́. Они как бы отпочковались от мистерии и стали самостоятельными пьесами назидательного характера. Разыгрывались притчи о «Благоразумном и Неблагоразумном», о «Праведнике и Гуляке», где первый берет себе в спутники жизни Разум и Веру, второй - Непослушание и Беспутство. В этих притчах страдание и кротость вознаграждаются на небесах, а жестокосердие и скупость приводят в Ад.
Играли моралите́ на балаганных подмостках. Имелось нечто вроде балкона, где представляли живые картины небесных сфер - ангелов и бога Саваофа. Аллегорические фигуры, поделенные на два лагеря, появлялись с противоположных сторон, образуя симметричные группы: Вера - с крестом в руках, Надежда - с якорем, Скупость - с кошельком золота, Наслаждение - с апельсином, а у Лести был лисий хвост, которым она поглаживала Глупость.
Моралите́ - это диспут в лицах, разыгранный на подмостках, конфликт, выраженный не через действие, а через спор персонажей. Подчас в сценках, где говорилось о грехах и пороках, появлялся элемент фарса, социальной сатиры, в них проникало дыхание толпы и «вольный дух площади» (А. С. Пушкин).
В площадном театре, будь то мистерия, моралите, соти́ или выступление гистрионов, отразились жизнелюбие средневекового человека, его веселая дерзость и жажда чуда - вера в победу добра и справедливости.
И не случайно в XX в. интерес к средневековому театру возрастает. Драматургов, режиссеров привлекает в нем обращенность к массам, четкое, присущее народному сознанию разграничение добра и зла, «вселенский» охват событий, склонность к притче, яркой «плакатной» метафоре. Поэтику этого народного зрелища использует В. Э. Мейерхольд при постановке пьесы В. В. Маяковского «Мистерия-Буфф». В Германии пьесу-притчу утверждает Б. Брехт. На рубеже 60-70-х гг., во времена студенческого движения протеста, Л. Ронкони в Италии ставит на площади «Неистового Роланда» Л. Ариосто, а во Франции А. Мнушкина - спектакли Великой французской революции («1789», «1791»). Древняя театральная традиция как бы обретает новую жизнь, соединяясь с исканиями современных деятелей театра.
Жанры средневекового религиозного театра
В IX в. зарождается первый жанр средневекового религиозного театра –литургическая драма . Это театральное действо входило в состав богослужения (литургии).
Причины появления этого жанра, скорее всего, связаны с желанием священников привлечь как можно больше людей к религии, сделать богослужение (в Средние века христианская служба велась на латыни) более понятным для малограмотного простонародья.
Литургическая драма родилась из церковного тропа – диалогизированного переложения евангельского текста, который обычно завершался пением. После него литургия продолжала идти своим чередом
Первая литургическая драма – сцена трёх Марий, которые приходят к гробу Господню. Эта драма разыгрывалась на Пасху. Её сюжет заключался в том, что Марии (священники, надевшие на голову надплечные платки, обозначавшие женские одежды) приходили ко гробу, в котором должно было лежать тело распятого Христа, чтобы обмазать его миром. Однако в гробнице они встречались с ангелом (молодой священник в белом одеянии). В этой сцене уже появлялся диалог и индивидуальные ответы (между ангелом и Мариями), что и позволяет говорить о том, что это действо являлось первой литургической драмой.
Организацией постановки литургической драмы занимались сами священники. Представления происходили в храме.
На начальном этапе своего существования литургическая драма тесно примыкала к мессе, текст её полностью совпадал с текстом богослужения, как по содержанию, так и по стилю. Литургическая драма исполнялась на латыни, была проникнута торжественным настроением, как и месса. «Актёры» напевно декламировали свои слова.
Постепенно драма всё больше обособляется от службы. Появляются два самостоятельных цикла литургической драмы – рождественский (включал эпизоды: шествие пастухов, предвещавших рождение Христа, поклонение волхвов, сцена гнева царя Ирода, приказавшего убить всех младенцев в Вифлееме) и пасхальный (в его состав входили эпизоды, связанные с воскресением Христа).
Со временем литургическая драма развивается также от статичности и символичности к действенности. В неё начинают внедряться бытовые элементы.
Изначально созданная для того, чтобы сделать богослужение более понятным для прихожан, литургическая драма опрощала религиозные идеи, что, однако, таило в себе большую опасность для религии, так как вело к её профанации.
В 1210 г. указом папы Иннокентия III были запрещены представления литургической драмы внутри зданий церквей. На этом литургическая драма как жанр перестаёт существовать.
Однако религиозный театр не исчезает. Литургическая драма выходит из церкви на паперть и становится полулитургической драмой.
Мирских мотивов в этом представлении становится ещё больше. Она утрачивает свою прочную связь со службой и с церковным календарём, следовательно, выбор дня для проведения спектакля становится более свободным. Полулитургическая драма разыгрывается и в дни ярмарки. Вместо латыни спектакли начинают проходить на народных языках.
«Божественные» роли по-прежнему исполнялись церковнослужителями. В представлении использовались церковные одеяния и утварь. Действо сопровождалось пением хора, исполнявшего религиозные гимны на латыни.
Церковнослужители принимали огромное участие в организации представлений полулитургической драмы (предоставление территории для спектакля (паперть), исполнение главных ролей, подбор репертуара, подготовка «костюмов» и «реквизита»).
Однако религиозные сюжеты начинают активно переплетаться со светскими. Театральная культура стремится отмежеваться от религии, что, однако, полностью на протяжении всей эпохи средневековья так и не произойдёт.
Мистерия
Ещё один жанр, имеющий отношение к религиозному театру. Мистерия произошла из процессий в честь церковных праздников.
Название происходит от лат. ministerium – церковная служба
Расцвет мистериального театра приходится на XV-XVI вв.
Представления организовывались городскими цехами и муниципалитетами, а не церковью. Участвовали в мистериях все жители города.
Представления мистерий часто организовывались в ярмарочные дни.
Утром в день открытия ярмарки свершался церковный молебен, затем организовывалось торжественное шествие, в котором принимал участие весь город. После него разыгрывалаь непосредственно мистерия.
Мистерии делились на три цикла – ветхозаветный (ветхий завет, от сотворения мира до рождения Христа), новозаветный (новый завет, рождение, жизнь, смерть, воскресение и вознесение Христа)и апостольский (жития святых).
В организации и представлении мистерии принимали участие представители различных городских цехов. Каждый цех получал в действе свой самостоятельный эпизод.
Представление длилось целый день, а иногда и несколько дней.
Существовало три типа организации сценического пространства и соответственно три типа представления мистерий.
Передвижной (характерный в первую очередь для Англии). Отдельные эпизоды мистерий показывались в фургонах с высоким помостом, открытым со всех сторон. Фургоны эти назывались педженты. После показа определённого эпизода фургон переезжал на соседнюю площадь, а на его место подъезжал новый с актёрами, отыгрывавшими очередной эпизод. И так далее до конца мистерии.
Кольцевой. На площади располагался один помост. Сваи для него располагались кольцеобразно. На помосте существовало несколько обособленных отделений, изображавших различные места действия. Зритель располагались вокруг помоста.
Беседочный. На площади одновременно изображалось несколько мест действия. Это был ряд беседок, расположенных на едином помосте по прямой линии и обращённых к зрителям фронтально. В каждой беседке разыгрывались отдельные эпизоды в зависимости от того, какое место действия эта беседка изображала. Публика переходила от одной беседки к другой.
Такая организация сценического пространства связана с важнейшим для средневекового театра принципом – симультанностью (одновременностью). Принцип этот подразумевал одновременность нахождения на площади нескольких мест действия и соответственно одновременность действий, происходящих в них. Симультанность восходит к средневековым представлениям о времени.
При организации представлений активно использовалась машинерия, декорациям, особенно тем, которые изображали рай или ад, уделялось огромное внимание. Зрелищная сторона был чрезвычайно важна.
В мистерии соседствовали натурализм (особенно проявлявшийся в представлении различных кровавых сцен) и условность.
Несмотря на то, что организовывалась мистерия светскими лицами, она являлась своеобразной религиозной службой, которую творил целый город.
Участие в мистерии считалось делом благочестивым. Очень многие роли были настолько популярны среди соискателей, что организаторы устраивали аукцион, с которого эти роли продавались.
Мистерия включала в себя совершенно разнородные элементы. Несмотря на то, что основным содержанием её был какой-либо эпизод из Библии, в мистерию очень активно проникали бытовые элементы. Кроме того, иногда мистериальное представление разбавлялось целыми фарсовыми сценками, представлявшими собой практически отдельный спектакль никак по сюжету не связанный с мистерией. Кроме того, очень большой популярностью пользовались эпизоды с участием чертей. А также зачастую в мистериях появлялся такой персонаж как шут.
Изначально организацией мистерий занимались любители, впоследствии начинают создаваться целые союзы, обязанностью которых являлась постановка мистерии. Как правило, они назывались братствами по аналогии с другими средневековыми братствами.
Наиболее известной такой организацией было Братство Страстей Господних во Франции, которое с 1402 г. получило даже монополию на организацию в Париже не только мистерий, но и мираклей и «прочих религиозных моральных пьес» (как гласил патент, выданный членам братства королём).
Миракль
Название этого жанра происходит от латинского слова miraculum (чудо).
Возникает во Франции в XIIIв.
Миракль происходит из гимнов в честь святых и чтений их житий в церкви. Поэтому основой для сюжетов служили истории о чудесах, совершённых Девой Марией и святыми.
Организацией представлений мираклей во Франции занимались особые сообщества – пюи (puys). Название их происходит от слова podium.
Моралите
Ещё один жанр, имеющий отношение к религиозному театру Средних веков.
Появляется в XV-XVI вв.
Это аллегорическая пьеса, в которой действуют персонажи-аллегории. Каждый из них является олицетворением какого-либо отвлечённого понятия (греха, добродетели, качества и т.д.). Суть сюжета сводилась к истории о том, как человек оказывается перед выбором между добром и злом.
Люди, выбиравшие добродетель, в конце были вознаграждены, а предавшиеся пороку – наказаны. Таким образом, каждое моралите было проникнуто дидактизмом.
Прямой связи с сюжетами библейскими у моралите нет, однако, его нравоучительность позволяет причислять этот жанр к религиозному театру средневековья.
Сценической площадкой для моралите были подмостки, сооружавшиеся на площади.
Персонажи-аллегории носили надписи на груди, которые разъясняли зрителям, кто находится перед ними. Кроме того, каждый из них имел свой неотъемлемый атрибут, с которым всегда появлялся на сцене и который также символически пояснял, что это за аллегория.
Современное культурное общество в настоящем его виде во многом обязано театральному искусству, возникшему еще задолго до появления этикета и знакомых всем норм морали. Давайте погрузимся в древние времена истории. Во время этого Вы сможете узнать интересные факты о театральном искусстве, когда был создан первый театр и все, что связано с первыми актерскими выступлениями.
Создание первого театра в мире невозможно узнать точно, ведь это было еще в V веке до нашей эры в древней Греции, когда появился театр Диониса. Он был выполнен из дерева. Два раза в год проходили торжественные выступления актеров на сцене, во время которых самые талантливые авторы тех времен боролись за право называться лучшими в разных жанрах. Человека, занимавшегося продажей билетов и контролировавшего проведение выступлений называли архонт. Особо важных персон усаживали за шикарные мраморные кресла (установленные со временем), из которых был отличный обзор. Театр Диониса существует и в наше время. Последняя его реконструкция должна закончится в 2015 году.
Самый первый каменный театр возник в 52 году до нашей эры в Риме. Сцена представляла собой приподнятую площадку, на заднем плане которой был установлен экран. Перед сценой размещались сидения (в партере). Со временем римское театральное искусство прекратило свое развитие ввиду влияния христианства на культуру.
Кто изобрел театр в России?
Первый отечественный театр - это академический драматический театр имени Ф.Г.Волкова, основанный в г. Ярославль. Год его создания - 1750. В один из теплых летних дней юный темпераментный Федор Волков вместе со своими товарищами выступили перед публикой. Выступление состояло из произведений Ломоносова, Сумарокова, Ростовского и собственных пьес молодого гения Волкова. К слову, Ф.Волков был по совместительству декоратором, переводчиком, директором выступлений и архитектором. Актеры даже посетили императрицу Елизавету (согласно специально изданному ею указу) во время гастролей в Петербурге. Примечательно, что в ту пору существовали и другие актерские труппы.Но выступления носили закрытый характер и не были доступны широкой общественности.
Какой был первый современный театр?
В 1618 году итальянский город Парма подарил миру первый современный театр - Фарнези. Сцена была сконструирована довольно необычно - вдоль одной из стен. Актеров и зрителей отделял широкий занавес, который также помогал сменить декорации незаметно для гостей спектакля.
Знаете ли Вы? Самое длинное театральное выступление (около 10 часов) состоялось в 1672 в Подмосковье.
Для любого современного человека театры стали неотъемлемой частью запланированного культурного досуга. И многих интересует история возникновения театра, ведь был же период, когда не было театров? Сложно вспомнить, когда это было, ведь самые первые театры появились еще в первобытных общинах.
В те далекие времена люди еще не понимали, почему идет дождь, отчего вдруг похолодало и, чем они провинились перед Всевышним, что он послал снег или сильный дождь. Чтобы им ничего не угрожало, они старались перед каждым важным событием провести театрализованный обряд. Информация о подобных событиях подарила нам возможность понять, как появился театр и почему ему уделялось такое внимание.
От первобытности к современности
Первобытный театр, естественно, не был похож на современные постановки. Здесь не шла речь о профессионализме или таланте – люди старались театрализовать события так, как они чувствовали, вкладывая в каждое событие, душу и все свои переживания. Они искренне верили, что, чем более эмоционально они смогут представить свою преданность, тем лучше будет, например, урожай. Все это сопровождалось импровизированной музыкой и песнями.
Позже, где-то в третьем тысячелетии до н.э. в Египте уже проводились более организованные театральные сценки о покровителях ремесленников и земледельцев. Греция стала родиной карнавальных представлений, которые организовывались преимущественно под открытым небом. Здесь были популярны народные театры. Актеры практически всегда должны были быть в масках.
Эпоха Возрождения – в этот период ставились преимущественно комедийные представления. Их устраивали на городских площадях, и посмотреть зрелище собиралось множество людей.
Где-то в конце 16 ст. – начале 17 столетия мир узнал оперу, а уже позже, к середине 18 века появился балет, первые оперетты появились только в середине 19 столетия.
Постановки прошлых лет сегодня
Говоря о театре 18-19 столетия, мы уже рассуждаем о представлениях и постановках, в которых принимали участие талантливые актеры. Они ставились на сцене и сами сооружения театров кардинально отличались от первобытных и эпохи Возрождения. Так, еще с конца 19 века к нам пришла великолепная постановка балета «Щелкунчик». И в те времена, и сейчас были доступны не всем. Это связано, конечно же, с большой и постоянно растущей популярностью постановки. Если раньше позволить себе такую роскошь, как театр могли лишь избранные, знатные дамы и господа, то сегодня они доступны каждому. Несмотря на ажиотаж, связанный с билетами, люди продолжают находить альтернативные способы приобретения билетов. Так, к примеру, вы их можете заказать на нашем сайте. Это избавит вас от очередей и непредвиденных неприятных ситуаций.
Сегодня театр приобрел иной облик. Он стал символом и гордостью в каждой стране. Архитектурные ансамбли, декоративное оформление и просторные залы, портреты известных поэтов, постановщиков и создателей театров, как правило, всегда украшают холл. На современной сцене мы часто видим представления, которые впервые ставились еще при Царе. Да, они претерпели некоторые коррективы, возможно, в некоторые были внесены более реальные события, а где-то художественные руководители решили добавить музыкальное оформление, объединив оперу с балетом. Но, тем не менее, это все еще раз подтверждает, что театр был всегда и в прошлом, и в будущем он будет привлекать внимание зрителей, пусть даже на сцене будет представлен спектакль прошлого столетия – это наша история и для многих это важная составляющая формирования культуры и традиций.
Античный театр
Для того чтобы из синкретического искусства народных обрядовых празднеств родился театр, необходимо было разделение участников празднества на исполнителей и зрителей, - профессионализация исполнительства, в свою очередь, привела к обособлению различных видов театрального искусства .
Древнегреческий театр родился из обрядовых игр, посвященных богам - покровителям земледелия, в первую очередь Дионису : в ходе посвящённых ему празднеств хор «сатиров », одетых в козлиные шкуры, распевал песни (дифирамбы), содержание которых составляли мифы дионисийского круга. От хора сатиров произошло и слово «трагедия» (буквально - «песнь козлов») . Годом рождения мирового театра считается 534 г. до н. э., когда афинский поэт Феспид во время Великих Дионисий наряду с хором использовал одного актёра-декламатора . Декламатор, которого в VI веке до н. э. называли «гипокритом» («ответчиком» или «комментатором»), мог вступать в диалог с хором, изображать по ходу повествования различных персонажей мифов, и таким образом к диалогу примешивались элементы актёрской игры. Позже Эсхил добавил к хору второго актёра-декламатора, а Софокл третьего, - в V веке до н. э. «гипокриты» уже могли общаться не только с хором, но и между собой, что сделало возможным драматическое действие, независимое от хора, и в результате - преобразование хора сатиров в драму .
С конца VI в. до н. э. в Афинах ежегодно, в марте - в дни праздника Великих Дионисий - ставились трагедии, комедии и сатировские драмы. В первый день праздника зрителям в специально сооруженном театре представляли пять комедий, в течение последующих трех дней - три тетралогии, каждая из которых состояла из одной сатировской драмы и трех трагедий . Со II половины V в. до н. э. такие же представлния устраивались и в январе - в праздник Леней . Спектакли игрались в костюмах, соответствовавших прежде всего характеру постановки: так, трагедии исполняли в длинных цветных костюмах с дорогой отделкой, высоких прическах, сапогах на толстой кожаной подошве (котурнах) и «трагических» масках; для комедий, помимо соответствующих масок, выбирали короткие костюмы, часто использовали накладные животы, горбы и прочие приспособления, придававшие телу гротескные формы .
В эпоху империи театр постепенно приходил в упадок; уже Сенека писал свои трагедии не для постановки на сцене, а для чтения в узком кругу. На сцене же трагедия уступала своё место пантомиме; для изображения одного сценического персонажа нередко требовались уже два исполнителя: один читал стихи, второй производил соответствующие движения и жесты .
Театр Средневековья
Среди гистрионов существовала особая группа вагантов (от лат. clirici vaganti - бродячие клирики), или голиардов, - недоучившихся семинаристов и разжалованных священнослужителей, развлекавших народ пародиями на католическую литургию . Однако сложные отношения с церковью были не только у вагантов, - так, Томас Кэбхем, архиепископ Кентерберийский , в конце XIII века из известных ему видов гистрионов выделил лишь один, который «можно терпеть»: тех, что «зовутся жонглёрами, воспевают подвиги королей и жития святых и утешают людей в их печали и горестях» . Искусство гистрионов во всех своих проявлениях оставалось сугубо мирским и в значительной своей части питалось языческим мироощущением, - христианские воззрения вдохновляли иное направление нарождающегося театра .
В противовес языческим, христианская церковь вырабатывала собственные обряды, которые придавали её учению действенную иллюстративность . Уже в IX веке в Западной Европе в день Рождества священники изображали евангельских пастухов, идущих в Назарет , происходил краткий диалог между ними и священником, служившим литургию, - диалогизация службы в своём развитии открывала возможности для драматического действия. Текст ранней литургической драмы полностью совпадал с текстом литургии, но постепенно становился всё более свободным и отделялся от собственно службы; в XI веке на Пасху и в Рождество уже разыгрывались настоящие представления .
Изначально статичная и символическая, литургическая драма постепенно становилась более действенной, более содержательной, наполнялась психологическими переживаниями; тенденция к реалистической трактовке евангельских сюжетов и образов, отразившаяся и в оформлении представлений, и в бутафории , противоречила целям церковной службы, и в 1210 году литургическая драма была изгнана из церкви, - в дальнейшем представления давались на паперти , что позволило участвовать в них не только клирикам, но и горожанам . На паперти литургическая драма постепенно утратила связь с церковным календарём: представления могли разыгрываться и в ярмарочные дни; принятая в церкви латынь постепенно заменялась национальными языками .
Во второй половине XIII получили широкое распространение представления, посвящённые житиям святых - миракли , которые от собственно евангельских сюжетов отличались и более «бытовым» оформлением . В это же время появились и светские пьесы, в большей степени, чем миракли, связанные с народными фольклорными представлениями, - известны, в частности, «Игра о беседке» и «Игра о Робене и Марион» Адама де ла Галя. Однако и миракли, и светские пьесы уже разыгрывались не на церковной паперти, а в любительских кружках, которые поначалу обычно находились под покровительством церкви, но, с развитием в городах цеховых ассоциаций, постепенно отделились от неё и в дальнейшем существовали при городских корпорациях .
Одновременно в городах зарождался жанр мистерий - массового, площадного, самодеятельного искусства, в котором мистика сочеталась с реализмом. Мистерии были частью городских торжеств, которые устраивались в ярмарочные дни, абстрактные церковные сюжеты обретали в них национальный колорит .
Театр эпохи Возрождения
Новый театр родился в Италии, где, с одной стороны, дольше, чем в других странах, существовала литургическая драма - вплоть до первой половины XV века, в то время как за пределами Италии она исчезла ещё в XIII; с другой стороны - относительно поздно, лишь в середине XV века, появился итальянский аналог мистерий - rapresentazioni sacre . Во Флоренции тексты для этих представлений писали крупные поэты-гуманисты - Фео Белькари, Луиджи Пульчи и сам Лоренцо Медичи , глава Флорентийской республики . Увлечённые античной литературой и философией гуманисты поначалу прививали, насколько это было возможно, античный дух священным представлениям, вплоть до использования в мистериях языческих сюжетов, в частности мифа об Орфее .
Параллельно развивалась другая тенденция: в 70-х годах XV века Помпонио Лето в Риме возродил античный римский театр, - со своими учениками он ставил на языке оригинала сочинения Сенеки , Плавта и Теренция . Опыт Лето быстро распространился по всей Италии, и, поскольку латынь была понятна не всем, вскоре появились переводы древнеримских авторов на итальянский язык. Две формы итальянского театра - античные комедии в итальянских переводах (и оригинальные пьесы, долгое время носившие откровенно подражательный характер) и мистерии на мифологические сюжеты - постепенно сближались, заимствовали одна у другой элементы драматургической техники и сценического воплощения .
С распространением мистерий в Италии было связано появление первых театральных коллективов - на рубеже XV-XVI веков, поначалу в виде любительских содружеств, которые со временем превращались в полупрофессиональные: ремесленники и представители интеллигенции собирали труппу, когда был спрос на представления, показывали их за плату в богатых домах и возвращались к своим прежним занятиям, когда спроса на представления не было . Важную роль в становлении итальянского профессионального театра сыграла падуанская труппа актёра и драматурга Анджело Беолько , члены которой, выступая в разных пьесах под одними и теми же именами, в одних и тех же костюмах, создавали неизменные типы (tipi fissi) , - в этом отношении труппа Беолько предвосхищала комедию дель арте , появившуюся в середине XVI века, вскоре после его смерти . Однако в точном переводе с итальянского commedia dell’arte в то время означала «профессиональный театр», - понятие «комедия масок» появилось позже .
На протяжении долгого времени спектакли играли во дворцах, импровизированная сцена, нередко с огромными затратами сил и материальных средств, могла сооружаться для одного-единственного спектакля. Лишь в 20-х годах XVI века начали появляться специальные театральные здания, при этом принципы постройки заимствовались у Витрувия : как в Древнем Риме, зрительный зал строился в виде амфитеатра . В 1519 году был зафиксирован первый (с античных времён) случай применения занавеса - в Риме, в Ватиканском дворце , во время представления папе Льву X «Подменённых» Ариосто ; этот занавес, который, как в Древнем Риме, падал вниз в специально сделанный жёлоб, был сделан по картону Рафаэля .
Новый итальянский театр родился как придворный, однако очень скоро завоевал популярность в самых широких слоях итальянского общества, к интересам и вкусам которых он начал приспосабливаться на рубеже XV-XVI веков: мифологические сюжеты постепенно уступали место сюжетам из современной жизни, которые, в свою очередь, диктовали и новые принципы оформления спектаклей и иной стиль актёрской игры .
Италия в области театрального искусства пролагала пути, по которым следовали и другие страны ; комедия дель арте, благодаря постоянным гастролям итальянских артистов - с конца XVI и на протяжении всего XVII века - в Испании, Франции, Англии и Германии, стала для этих стран школой сценического искусства . . Итальянским гуманистам принадлежали и первые попытки создать теорию драмы - путём комментирования «Поэтики » Аристотеля , как высшего авторитета древнего мира в области театра. И хотя Аристотель говорил о необходимости соблюдения только одного единства - действия, комментаторы пошли дальше: замечание Аристотеля о том, что у греческих трагиков действие обычно совершается в течение одного оборота солнца, Джиральди Чинтио возвёл в закон единство времени; другой комментатор, по-своему истолковав текст Аристотеля, добавил требование единства места, - в 1570 году Лодовико Кастельветро в своей «Поэтике» выстроил теорию трех единств, которая стала законом для театра эпохи классицизма .
Театр эпохи классицизма
Драматический театр в России
В России театр родился поздно - лишь во второй половине XVII века: в православной церкви не были приняты инсценировки служб, скоморошество , зародившееся ещё в XI веке, жестоко преследовалось и было официально запрещено в 1648 году указом Алексея Михайловича , города не обладали достаточной самостоятельностью, чтобы своими силами устраивать представления, аналогичные западноевропейским мистериям, - театр в Россию был импортирован из Западной Европы . В 1672 году был создан первый придворный театр, однако просуществовал всего несколько лет. К этому же времени относится возникновение так называемого «школьного театра» - театра при духовных учебных заведениях; первое упоминание относится к 1672 году, когда в Киево-Могилянской академии была поставлена мистерия «Об Алексее человеке Божием» . В 1687 году в Москве была основана Славяно-греко-латинская академия , при которой также был создан театр, сыгравший в дальнейшем важную роль в развитии письменной драматургии .
Актёр в драматическом театре
В деятельности средневековых гистрионов присутствовали лишь примитивные элементы актёрского искусства: импровизация, диалог, пластика, - о создании характеров речь ещё не шла, гистрионы всегда действовали только от своего лица . С другой стороны, жёсткие каноны католической церкви также исключали понятие «характер». Актёрское искусство как таковое зарождалось в рамках мистерий: включавшиеся в них фарсы предполагали создание определённых типажей; характеры, хотя и неизменные, присутствовали в театре Анджело Беолько .
В средневековый театр, как и в античный, женщины не допускались, но в полупрофессиональных итальянских труппах они появились уже в первой половине XVI века. Ещё в XV веке женщины присоединялись к странствующим группам гистрионов (saltimbanchi); что же касается театральных трупп, то в качестве певиц, а возможно, и в качестве актрис они участвовали уже в труппе Беолько. В 50-60 годах XVI века уже были известны имена некоторых актрис: Фламинии, Винченцы Армани и польки Цуккати .
Режиссура в драматическом театре
Театральные системы
В драматическом театре непосредственным выразителем действия является актёр, создающий характер персонажа в предлагаемых пьесой обстоятельствах . В западно-европейском театре сложились два основных принципа актёрской игры - «переживание», предполагающе внутреннее перевоплощение, вживание актёра в образ, и «представление», стремящееся раскрыть прежде всего отношение к образу . Искусство «переживания» связано в первую очередь с реалистическим театром, хотя в тех или иных формах существовало и раньше, в частности в театре эпохи Возрождения и в искусстве романтиков . «Представление» всегда было связано с театром условным, в том числе средневековыми церковными представлениями, итальянской комедией дель арте , театром эпохи классицизма . Во второй половине XIX века в качестве теоретика «школы переживания» выступил великий итальянский актёр Томмазо Сальвини (1829-1915), его главным оппонентом был Коклен-старший (1841-1909), предпочитавший переживанию рационалистически выверенное мастерство .
В XX веке на основе этих традиций сложились две актёрские системы: «переживание» («психологический театр») связывают обычно с именем К. С. Станиславского - не только его теоретическими трудами, в частности разработанной им системой работы актёра над ролью, но и всей практикой Художественного театра ; «представление» чаще всего связывают с именем Бертольта Брехта , теоретика «эпического театра », который нашёл своё практическое воплощение в созданном Брехтом театре «Берлинер ансамбль » .
Поздно родившийся русский драматический театр традиционно был театром переживания, однако ещё задолго до Брехта, в самом начале XX века, театральные режиссёры в России искали иные средства выразительности, одни, как Всеволод Мейерхольд , отчасти и Евгений Вахтангов , - в порядке отрицания натурализма Художественного театра , другие, в первую очередь руководители МХТ, Станиславский и Немирович-Данченко , - стремясь через условность и символику «обогатить реализм», разгрузить сцену от быта, преодолеть захлестнувший драматический театр натурализм, чтобы ярче выявить «жизнь человеческого духа» .
Многие режиссёры, прежде всего Е. Вахтангов и А. Таиров , в своих поисках приходили к различным сочетаниям «переживания» и «представления»; В. Мейерхольд создал ГосТиМ как образцовый театр «представления», где мхатовский психологизм заменяла музыка, как конструктивный элемент сценического действия , однако в поздних своих спектаклях и Мейерхольд приближался к «школе переживания» .
Сам Брехт главное отличие своего театра от театра Станиславского видел не в противопоставлении переживания представлению: «Станиславский, - говорил он, - ставя спектакль, главным образом актёр, а я, когда ставлю спектакль, главным образом драматург. …Вы можете и от меня услышать, что всё зависит от актёра, но я целиком исхожу из пьесы, из её потребностей… Как драматургу, мне нужна способность актёра к полному вживанию и полному перевоплощению, которую Станиславский впервые разбирает систематически; но, кроме того и прежде всего, мне нужно дистанцирование от образа» . Если у Станиславского вживание в образ было результатом работы актёра над ролью, то Брехту оно было нужно на другой стадии репетиций: сначала вживание - для создания полнокровного характера, а в итоге - дистанцирование от него, ради выявления отношения к образу . «Когда я видел Эрнста Буша в „Галилее “, - писал Георгий Товстоногов , - в классическом брехтовском спектакле, на сцене колыбели брехтовской театральной системы, в Берлинском ансамбле, я видел, какие великолепные „мхатовские“ куски были у этого замечательного актера» . В целом же система Брехта была в большей степени режиссёрской, что вполне соответствовало тем изменениям во взаимоотношениях режиссёр-актёр, которые характеризуют драматический театр XX века .
Во второй половине XX столетия выбор той или иной системы нередко определялся драматургическим материалом: так, коллективы, исповедующие «психологический» театр, могли обращаться к пьесам Брехта и близких ему по духу драматургов и достигали успеха в той мере, в какой им удавалось изменить стиль исполнения .
Примечания
- Шабалина Т. Драматический театр (неопр.) . Энциклопедия Кругосвет. Проверено 16 ноября 2012. Архивировано 9 января 2013 года.
- Театр // Театральная энциклопедия (под ред. А. П. Маркова). - М. : Советская энциклопедия, 1961-1965. - Т. 5 .
- Театр / Родина М. Т. // Большая советская энциклопедия : [в 30 т.] / гл. ред. А. М. Прохоров . - 3-е изд. - М. : Советская энциклопедия, 1969-1978.
- Трагедия // Словарь античности. Составитель Йоханнес Ирмшер (перевод с немецкого). - М. : Элис Лак, Прогресс, 1994. - С. 583 . - ISBN 5-7195-0033-2 .
- Трагедия // Словарь античности. Составитель Йоханнес Ирмшер (перевод с немецкого). - М. : Элис Лак, Прогресс, 1994. - С. 565 . - ISBN 5-7195-0033-2 .
- Трагедия // Словарь античности. Составитель Йоханнес Ирмшер (перевод с немецкого). - М. : Элис Лак, Прогресс, 1994. - С. 566 . - ISBN 5-7195-0033-2 .
- Дживелегов А., Бояджиев Г. Истоки западноевропейского театра // . - М. : Искусство, 1941.
- Дживелегов А. , Бояджиев Г. История западноевропейского театра. От возникновения до 1789 года . - М. : Искусство, 1941.
- Аверинцев С. С., Бояджиев Г. Н. Гистрион // Театральная энциклопедия (под ред. С. С. Мокульского). - М. : Советская энциклопедия, 1961-1965. - Т. 1 .
- Дживелегов А., Бояджиев Г. Гистрионы // История западноевропейского театра. От возникновения до 1789 года . - М. : Искусство, 1941.
- Дживелегов А., Бояджиев Г. Фарс // История западноевропейского театра. От возникновения до 1789 года . - М. : Искусство, 1941.
- Дживелегов А., Бояджиев Г. Театр раннего Средневековья. Историческое предпосылки // История западноевропейского театра. От возникновения до 1789 года . - М. : Искусство, 1941.
- Дживелегов А., Бояджиев Г. Литургическая драма // История западноевропейского театра. От возникновения до 1789 года . - М. : Искусство, 1941.
- Дживелегов А., Бояджиев Г. Литургическая драма на паперти // История западноевропейского театра. От возникновения до 1789 года . - М. : Искусство, 1941.
- Дживелегов А., Бояджиев Г. Миракль //
Зачатки театрального искусства существовали еще в первобытном обществе, до появления ранних цивилизаций. Театральное искусство как таковое возникло и на Востоке, и в Древней Греции и Риме, а затем продолжило развиваться в средневековой и ренессансной Западной Европе и России.
Обращаясь к историческому прошлому театра, хочется отметить, что разнообразные зрелища и действа существовали с глубокой древности. Это обусловлено разными обстоятельствами. Во-первых, это потребность в отдыхе, во-вторых - познание и открытие себя, мира, человеческой души, в-третьих - манипуляция общественным сознанием. Художественное отражение реальной действительности совершалось с помощью драматического действия. Взаимодействие характеров, раскрытие психологических или общественных конфликтов, попытка привлечь зрителя к участию в реализации замысла - вот что лежит в основе театрального действия.
Исторические предпосылки формирования театрального действа появляются в первобытный период. Как правило, эти обряды сопровождались заклинаниями, пением, танцами, игрой на древних музыкальных инструментах. В ритуалы включали и различные инсценировки, напрямую связанные с жизнью племен. Важная роль отводилась атрибутам и одеянию колдуна или шамана, которые тоже создавали звуковые эффекты, усиливая воздействие на зрителей и участников действа. Праздники с элементами театрализации устраивались в честь богов, которые отождествлялись с силами природы, природными явлениям и стихиями. Так появились первые представления, носящие театральный характер.
Все представление было направлено на вовлечение большого числа людей, все становились участниками происходящего. Массовость происходящего зависела от назначения действа, т.е. это были обряды и ритуалы, обращенные к богам, - предполагалось, что боги все видят и включены в происходящее. Первобытные представления, как правило, совершались жрецами, которые, как считалось, были наделены магической силой и могли просить милости у богов: удачной охоты, дождя во время засухи и т.п. Некоторые жрецы "вступали в контакт" с божествами прямо во время совершения обряда или ритуала. Так создавалось ощущение избранности, которое нашло отражение не только в произведениях театра, но и наскальной живописи, запечатлевшей все происходящее. Появилось понимание своего рода "профессионализации" некоторых элементов театрального представления. Казалось, что доказать свое признание богам можно было с помощью совершенствования диалога или монолога. Таким образом, первыми "профессионалами" архаичных театрализованных форм были жрецы и шаманы. Позже их сменили плакальщики, певцы, танцоры. Они прославляли древних египетских, греческих, римских, славянских богов: Осириса, Диониса, Астарту, Ваала, Сатурна, Ярилу, Коляду и других.
Жрецы и шаманы, осознав воздействие обрядов и ритуалов на общество, шлифовали свое мастерство, завоевывали власть и авторитет, и ритуальные действия с театрализацией стали использоваться жрецами как важнейшее средство для управления общественным мнением и поддержания порядка. Постепенно начинают формироваться функции театра: социальная, религиозная, идеологическая. Это достигалось за счет большого количества участников обряда и высокой степени эмоциональной включенности в него каждого члена коллектива. Возникает потребность в иных видах искусства (наскальная живопись, мелкая скульптура - фигурки Матери-земли, тотемных животных и т.д., костюмы или одеяния участвующих в обряде), которые обогащали театрализованные действа и помогали создавать эффект массового переживания. Поэтому давно распространено мнение, что театр является мощным средством манипуляции общественным сознанием, с помощью которого внушаются политические, правовые, социальные и другие идеи.
Нельзя не сказать о развлекательной функции театра, которая чаще всего занимает приоритетное место. При этом развлечение, как правило, имеет скрытый подтекст и иногда отвлекает от насущных проблем в обществе. Достаточно вспомнить лозунг римской черни эпохи императорской власти: "Хлеба и зрелищ" (лат. рапет et circenses). Театр широко использовался властными структурами для достижения своих целей. К тому же театр не просто развлекал, но и приносил доход. В Риме продавались билеты, сделанные из кости. Была завершена постройка театра Марцелла (13 г. до н.э.), который был очень удобен для зрителей. На происходившее на сцене публика реагировала бурно, выражая одобрение или негодование возгласами и криками. За плохую актерскую игру могли и покалечить.
Важно отметить, что ритуалы и обряды имели тесную связь с художественной составляющей любого представления. Они выступали основой культа, праздника, и как результат всего этого - театрального действа. И хоть прослеживается взаимосвязь ритуала или обряда со всеми видами искусства, именно театр как один из древнейших видов искусства смог сохранить ту форму ритуального построения действия, которая характерна только для него.
Тесное взаимодействие театра и ритуала можно наблюдать во всех театральных системах древности, но присутствие магии было в те времена обязательным. Ритуал мог осуществляться без помощи театральных зрелищ, просто эффект восприятия усиливался, когда они гармонично сосуществовали. Театральное действо, в зависимости от назначения, имело государственное значение, поскольку невыполнение обязательных ритуальных схем грозило бедой для народа. Исходя из этого, позже стали разделять зрелища на ритуальные и развлекательные.
Появление первых трагедий также имеет основой ритуальные действа. Сознание человека было тесно связано с природой и ее возможностями. Многочисленные культы давали повод для размышления в этих представлениях. В них демонстрировалась жестокая судьба героя, который не подчинялся законам природы или пошел против них. Вес природные стихии были населены духами и божествами, которые в той или иной степени присутствовали в театральных зрелищах. Вовлечение в происходящее зрителя стало как бы предтечей развития представления трагедий в Греции. Ни одна постановка не обходилась без ритуального или магического обряда.
Сценическое действие, возникающее в разные эпохи, имело общие основания. Магические и ритуальные формы набирали масштаб даже тогда, когда возникли первые государства Востока. Самые ранние попытки создания профессионального спектакля осуществлялись на религиозной почве и выросли до литургических драм, трагедий, комедий, фарсов, мистерий. В античности развивались театры со своими традициями, новаторскими идеями, техникой для сцены. Интересные формы зрелищ формировались в государствах Древнего Востока, в Индии, Китае, Японии. В Западной Европе в Средневековье театральное творчество распространялось бродячими актерами, во Франции это были трубадуры и труверы, в Германии - миннезингеры, в Англии - менестрели, в России - скоморохи, но следует сказать, что с XI в. их представления подвергались запретам со стороны православной церкви.
Театр Средневековья освещал чаще всего религиозную проблематику. Ярким примером профессионального театра по праву считается итальянская народная комедия масок - комедия дель арте (XVI-XVII вв.). Возникшая в Италии в эпоху Возрождения "ученая комедия" породила научный и литературный подход к сценическому произведению. В эпоху Возрождения театр становится стационарным, в крупных культурных центрах строятся специальные помещения, предназначенные для драматических постановок. С этого времени театр стремительно развивается во всех странах мира. Он становится местом и средством развлечения, захватывает массы в свой круг, появляются драматурги и режиссеры, актеры и великие произведения.
Новое время требовало новых подходов к подаче драматического действия: поэтика классицизма и барокко тесно связывается с театром, важным аспектом становится постоянное обращение к теоретическим трудам Аристотеля и Горация. Идеологический аспект находит прямое отражение в спектаклях того времени. В эпоху Просвещения публика театров становится демократичной, появляется новая плеяда писателей-драматургов и теоретиков театра - Вольтер и Дидро во Франции и Лессинг в Германии. Возникает новая идеологическая доктрина театра. До появления киноискусства театр будет сохранять устойчивое положение.
Пристальное внимание к театру будет сохраняться до Второй мировой войны. Но с появлением кинематографа театр вынужден был потесниться. Театр зачастую становится интересен профессионалам и поклонникам-театралам, в меньшей степени - обычному зрителю. В настоящее время интерес к театру возродился, и причиной нового расцвета театрального искусства можно считать новаторский подход режиссеров, художников-оформителей к классическому репертуару, а также появление ультрасовременных постановок, которые привлекают внимание молодежи. Многочисленные театральные фестивали собирают огромное число не только специалистов и теоретиков театра, но и обычных зрителей.
История театра тесно связана с историей государств, поэтому главными источниками информации о театре являются исторические, теоретические труды и мемуары, в которых отражены вехи развития театрального искусства. Во все времена театр был неотъемлемой частью культурной, общественной и политической жизни. Каждый этап в истории театра связан с именами знаменитых авторов, создавших шедевры, которые составляют гордость театрального репертуара и по сей день. Но искусство театра сиюминутно, и потомки могут только из литературных источников узнать о шумном успехе тех или иных постановок, об игре выдающихся актеров прошлого.
Мы проследим развитие театра в конкретный период времени и его место в мировой культуре.
